Buenas a tod@s!! Espero que
estéis bien y que esta nueva semana esté siendo de provecho💪💪
El post de esta semana me
gustaría centrarlo en una herramienta en línea que tuve la suerte de conocer el
pasado año y que nos permite crear contenidos animados, presentaciones, juegos,
etc. de una forma muy novedosa y creativa.
Una vez que entréis en el enlace
os tenéis que registrar usando un correoy una contraseña (posteriormente la misma plataforma verificatu usuario enviando un mensaje a tu propio correo).
Una vez dentro de la plataforma, en el margen derecho tenemos la opción de
elegir si deseamos utilizar la plataforma de manera gratuita o queremos
disfrutar de muchas más ventajas de la misma optando por la cuenta de pago (ahí
ya al gusto del consumidor jejeje).
La primera pantalla que aparece
al iniciar sesión se corresponde con el menú principal y si queremos crear una
presentación, una línea del tiempo, un tríptico, etc.o cualquier otro proyecto; debemos cliquear
en la opción “crear genially” y la herramienta de forma inmediata nos ofrece
múltiples plantillas para poder diseñar nuestro proyecto (desde la
presentación básica-lo que conocemos como Power Point- hasta un vídeo
presentación, una imagen interactiva, un cuestionario con diversas preguntas,
un póster, cartas, etc.)
Una vez seleccionado el tipo de
creación que queramos crear, en el margen izquierdo aparecerán todas las
herramientas de las que disponemos para poder ir personalizando nuestros
trabajos. Se pueden añadir textos, formas que funcionan como “etiquetas” que se suelen usar para ampliar información de muchas maneras posibles (vídeos,
textos, comentarios, etc.), podemos insertar imágenes para ampliar, enlaces que
nos lleven a otros sitios web complementarios, añadir fondos, música,
animaciones en la transición de nuestra presentación, etc.
Una vez finalizado nuestro
proyecto, en el margen superior derecho nos aparecen diferentes opciones que
nos posibilitan descargar nuestras creaciones, previsualizarlas antes de guardarlas e incluso compartirlas a través de
plataformas digitales.
Creo que estos son los aspectos esenciales para el correcto uso de esta plataforma, en cualquier caso, en
You Tube disponéis de multitud de video-tutoriales en los que se explica con
todo detalle cómo usar este recurso en línea y os invito también a que
indaguéis por él una vez registrados.
Así que si en este confinamiento
tenéis un poco de tiempo y queréis dar un giro a tus exposiciones académicas,
aquí tienes la herramienta perfecta.
Buenas tardes a tod@s!! Empezamos una nueva semana con ilusión, trabajo y mucha fuerza💪(ese virus no puede con nosotr@s😜). Otra semana más me paso por aquí para mostraros otra herramienta para aquell@s amantes de la música que quieran aprender y divertirse en esta cuarentena. Hace dos semanas escribí un post sobre "PlayÓpera", una plataforma educativa en la que los más pequeños (y no tan pequeños) tenían la oportunidad de acercarse desde casa al mundo de la ópera. Hoy recurriendo al mismo enlace (os lo dejo aquí: https://aprendoencasa.educacion.es/familias/infantil-y-primaria/)por el que descubrí "`PlayÓpera" os muestro otro recurso donde la creatividad, la curiosidad y la experimentación se articulan a la perfección.
Esta plataforma se llama "Chrome Music Lab" y como su nombre bien indica, pone a nuestra disposición un "laboratorio musical" para que podamos experimentar con todas las herramientas que lo integran. Os dejo el enlace para acceder a ella: https://musiclab.chromeexperiments.com/Experiments
Sinceramente, este recurso me ha sorprendido muchísimo, es muy dinámico y posee una gran variedad de actividades con las que puedes pasar horas divirtiéndote. Lo único que necesitas para adentrarte de lleno en esta plataforma es, curiosidad y ganas de disfrutar experimentando con la música.
La exploración, el descubrimiento, "el ensayo y error" son actitudes que se movilizan en cada una de las propuestas registradas en esta plataforma y pienso que, al igual que "PlayÓpera", será de gran interés tanto para los más pequeños como para los más mayores.
De todas las actividades que hay en esta web, os voy a comentar las que más me han gustado...el resto, os la dejo a vosotros a ver qué os parecen!!
Esta actividad te permite crear diferentes tipos de patrones rítmicos, pudiendo emplear para ello diferentes combinaciones de instrumentos. Como se puede observar debajo de los instrumentos, podemos ver tres líneas horizontales (una para cada uno): en la superior se registra el sonido de los platillos (más agudo), en la intermedia, el sonido de una caja y en la inferior, el sonido de un tom (instrumento de batería, el más grave de los tres aquí comentados). Puedes hacer todas las combinaciones posibles colocando en las diferentes líneas las figuras geométricas correspondientes.
Con ayuda del ratón de tu ordenador, realiza dibujos en tu pantalla, da rienda suelta a tu creatividad y el propio programa atribuye un sonido determinado a cada dibujo plasmado. Finalmente se reproduce una melodía siguiendo cada uno de los sonidos representados por los dibujos. Es una iniciativa llevada a cabo por Kandinsky, un artista que compara la pintura con el "hacer música".
A través de una grabación se puede visualizar y experimentar con la onda generada. Aumenta, reduce la velocidad e invierte su reproducción con las diferentes funciones que permite esta herramienta.
Crea arpegios con diferentes dibujos melódicos. Utilizando una rueda, eliges el acorde que vas a usar. También puedes cambiar el instrumento (piano o arpa) y el tempo.
Desde mi punto de vista, es una herramienta a la que pueden acceder alumnos de cualquier nivel educativo (Primaria, Secundaria, etc.), muestra actividades de múltiple naturaleza, favorece la ampliación de conocimiento, el desarrollo de destrezas, mejora la creatividad, la imaginación; empleando la música como fin y medio. Estas actividades podrían agruparse en los siguientes bloques:
-COMPOSICIÓN: Song Maker, Rhythm Arpeggios, Kandinsky y Melody Maker.
-COMPRENSIÓN DE FENÓMENOS FÍSICOS DEL SONIDO: Spectrogram, Sound Waves, Voice Spinner, Harmonics y Oscillators.
-TEORÍA DE LA MÚSICA: Chords, Rhythm y Arpeggios.
Os animo a que indaguéis en esta plataforma y os atreváis a probar algunas de estas propuestas que la integran.
De
las plataformas creadas durante este periodo de confinamiento para que los más
pequeños mantengan el contacto con música y comentadas por mis compañeros en
sus respectivos blog, os comentaré mi experiencia tras participar en la
iniciativa denominada #Musicaviral.
Desde
la Confederación de Asociaciones de Educación Musical (COAEM) quieren ayudar a
hacer más fácil el reto #yomequedoencasa con la iniciativa #musicaviral. Esta
tiene como premisa el “hacer” música como mejor aliado en estos días en los
quedebemos permanecer en casa por la
grave crisis del coronavirus.
Por
ello, mientras dure este confinamiento, todos los días a las 19:00 invitan a
los músicos a salir a sus ventanas e interpretar la pieza musical anunciada el
día anterior en la webwww.coaem.org . En esta misma página web,
también se pueden visualizar vídeos en los que se muestran las actuaciones
realizadas cada día.
La
pieza asignada el pasado lunes 13 de abril, fue “Bella Ciao” una canción
popular italiana que fue tomada como himno por los partisanos italianos que
lucharon contra el fascismo durante la Segunda Guerra Mundial y que, hoy en día,
es sinónimo de canto por la libertad y la resistencia.
Presentando
una pieza como esta, no podía dejar pasar la oportunidad y me lancé al reto. El
disponer tanto de la partitura para guitarra como de la base musical, fue un
gran apoyo a la hora de ensayar la pieza. Conocía los acordes de esta canción,
pero no el punteado; por lo tanto me tocó ensayar un poco junto con la base
musical.
Desde
mi punto de vista, ha sido una experiencia muy divertida y reconfortante, ya
que al mismo tiempo que disfrutas haciendo música estás contribuyendo a esta
iniciativa basada en acercar un poco de música a cada casa virtualmente. Decir
también que me ha gustado mucho el hecho de poder ver los vídeos de otros
músicos interpretando la misma pieza, cada uno versionándola y dándole un toque
personal y distinto.
En
definitiva, un reto totalmente recomendable, espero repetir pronto y ojalá iniciativas
como esta creadas en esta situación que vivimos sigan activas durante mucho
tiempo.
¡Buenos días!😜 ¿Qué tal estáis?
Actualmente, estamos viviendo una situación excepcional tanto a nivel nacional
como mundial la cual ha producido importantes cambios en nuestro modo de vida.
¡Quién nos iba a decir que el 2020 nos tenía preparado esta pandemia y
confinamiento que hoy vivimos! Ante esta realidad, van surgiendo diversos interrogantes y dudas a los que intento buscar explicación. Entre ellos, me gustaría destacar en este post mi incertidumbre sobre el desarrollo de la educación (en especial la musical) en España durante este periodo y después del mismo. Con la actual situación de confinamiento se han diseñado y desplegado diversas plataformas destinadas a mantener un justo equilibrio entre la importancia de mantener los hábitos de estudio y procurar el bienestar emocional y psicológico de familias y alumnos. Por ejemplo, programas educativos emitidos por televisión, plataformas digitales, páginas web, etc. Después de hacer una búsqueda e informarme de algunas herramientas a disposición de familias y alumnado, os muestro una web fantástica creada para el alumnado de Primaria en la que los más pequeños pueden sumergirse de lleno en el mundo de la ópera “PlayÓpera”. Esta iniciativa es impulsada desde el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de España.
Evaristo y sus amigos son los protagonistas de "PlayÓpera" y acompañarán al alumnado en su viaje por el mundo de este género musical. Para ello disponen de cuatro bloques temáticos (se muestran en la parte superior de la página web): 1. Qué es una ópera, 2. Vamos a jugar, 3. Dale a play, 4.Tiene historia.
Si el alumnado quiere aprender sobre qué es la ópera, sobre los elementos que la integran, sobre los teatros de España, conocer compositores de este género, etc. debe consultar el primer bloque. Esta sesión es algo más teórica que el resto, aunque se intenta hacer más amenas a través de imágenes. Además, emplea un lenguaje de fácil comprensión para alumnado de primaria.
En el segundo bloque, podrán reforzar lo aprendido tras la lectura inicial con juegos como puzzles operísticos, el juego del “Ahorcado” pero con conceptos sobre la ópera, “Ópera quiz”, “Emparentados”, “Las 10 armonías” (el alumnado elige una melodía, el bajo, la armonía y de esta forma escucharán las canciones más conocidas en la ópera), etc.
En el tercer bloque hay dos sesiones muy bien diferenciadas: la primera, “EL Evaristonario de términos operísticos” en la que se abordan términos como “foso”, “obertura”, “recitativo”, “apuntador”, “bajo”, “contralto”, etc. La segunda, “Evaristo, el reportero”, donde nuestro protagonista y acompañante Evaristo realiza entrevistas a actuales figuras del mundo de la ópera.
Por último, en el cuarto bloque se muestra un eje cronológico para que el alumnado conozca la evolución histórica de este género musical hasta nuestros días.
Para concluir, comentar también un quinto bloque que se registra en esta plataforma denominado “Para profesores” en el que se recogen materiales didácticos como: 10 piezas de ópera, 30 partituras para flauta dulce, propuestas didácticas (fichas) tanto para el nivel de Infantil, Primaria y Secundaria. Este material puede ser muy útil también para los padres que acompañan a sus hijos en estos tiempos de confinamiento, y servirles como guía y apoyo durante el proceso formativo llevado a cabo desde casa.
Debemos poner algo de nuestra parte para salir adelante. A veces esta situación nos resultará insoportable, pero debemos pensar que es temporal y por ello mientras persista debemos garantizar la continuidad del aprendizaje, estimular la curiosidad y la creatividad y poner en valor la autonomía, el juego y la lectura.
¡Mucho ánimo y mucha música para estos tiempos que corren!
Zoltan Kodaly fue un compositor, pedagogo,
musicólogo y folclorista húngaro; el cual se basó en la música campesina como
elemento a introducir en los ambientes familiares de los niños. Su método parte
del siguiente principio: “ la música no se entiende como entidad abstracta
(solfeo antiguo) sino vinculada a los elementos que la producen (voz e
instrumento)”.
Tanto la práctica con un instrumento elemental de
percusión y el sentido de la ejecución colectiva son los puntos principales en
los que se asienta su método.
Sus principios metodológicos son los siguientes:
-La música es tan necesaria como el aire. Al igual
que aprendemos nuestra lengua materna, de forma natural, por imitación
(semejanza con principios del método Suzuki) y con el juego a edades tempranas;
debíamos adentrarnos en la música partiendo de la base de que toda persona
puede cantar y debe aprender a hacerlo, corrigiendo a aquellas personas que
muestran más dificultades.
-Sólo lo auténticamente artístico es valioso para
los niños.
-La auténtica
música folclórica debe ser la base de la expresión musical nacional en todos
los niveles de la educación.
-Conocer los
elementos de la música a través de la práctica vocal e instrumental.
-Lograr una
educación musical para todos, considerando la música en igualdad con otras
materias del currículo.
Su método, desde el punto de vista pedagógico, se
basa en la lecto-escritura, en las sílabas rítmicas, la fononimia y el solfeo
relativo.
Con las sílabas rítmicas pretende relacionar cada
figura y su valor con una sílaba ; obteniendo cierta sensación fonética y una
relativa agilidad o lentitud en el desarrollo de las fórmulas rítmicas y su
contexto global.
Ejemplos de sílabas rítmicas son:
Ta tititiritiri
Por otro lado, usa la fononimia para indicar la
altura de los sonidos a través de diferentes posturas y movimientos de las
manos. A través de esta técnica se le facilita al alumnado la identificación de
las diferentes alturas con sus respectivos nombres.
Mediante el solfeo relativo se plantea la
posibilidad de entonar cualquier melodía representada en una sola línea desde
el punto de la escritura musical. En esta línea la cual representa el pentagrama
convencional, se colocan las diferentes notas con sus nombres respectivos
debajo (no se registran los nombres completos, solo la primera letra del nombre
de la nota correspondiente).
Pero esta sola línea en la que se colocan las diferentes
notas para desarrollar el solfeo relativo, se irá acompañando de otras cuatro
líneas más y de forma progresiva se empieza a trabajar el pentagrama para
ubicar la melodía teniendo en cuenta las alturas. Finalmente, se unen todos los
componentes musicales aquí abordados y se realiza una lectura musical coral.
Todos estos aspectos quedan reflejados, aclarados y
ejemplificados en el siguiente vídeo que os muestro:
Además, indagando por la red, encontré otro vídeo
muy interesante sobre los efectos positivos obtenidos al trabajar el método
Kodaly con alumnado de corta edad y su repercusión (cognitiva, psicológica,
formativa, etc.) a largo plazo en estos individuos. Es bastante interesante y
también se muestran ejemplos sobre propuestas muy creativas para abordar los diferentes
elementos musicales que lo conforman.
Antes de comenzar a leer este nuevo post, te recomendamos
que veas el vídeo que lo encabeza 👀 y pongas mucha atención en las partes y
elementos que aparecen en él.
¿Seguro que lo has visto?😏 Pues de ser así, acabas de
visualizar una sesión impartida por Sabine Heubusch basada en el método
Dalcroze. Sabine es una chica austriaca licenciada en en Música y Movimiento
(Dalcroze Eurhythmics) de la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena /
Austria. Con esta experiencia aquí recogida, pretendemos abordar dicha
metodología basándome en vivencias reales (grabadas), pues ya existe mucha
información teórica en multitud de páginas por Internet.
Empezaremos describiendo brevemente el espacio. La clase se
desarrolla en un aula amplia, donde los niños pueden moverse libremente. No hay
excesivos adornos en el habitáculo, solo una serie de fotografías, pizarra, un
reloj, etc. De esta forma evitamos posibles distracciones que inciten a
desconectar de la clase.
El alumnado realiza los diferentes ejercicios prescindiendo
de calzado. La sensación del pie descalzo es importante porque permite mayor
flexibilidad de movimiento, una mejor interiorización de las percepciones
kinestésicas y brinda posibilidades de percusión al contacto con el suelo.
En las primeras experiencias que aparecen en el vídeo, el
alumnado cuenta con dos profesoras: una chica se encarga de la interpretación
musical en el piano; y otra, sirve de “guía” con sus movimientos al alumnado,
con los cuales se integra en la actividad. En experiencias posteriores, solo
aparece una sola profesora.
A continuación nos centraremos tanto en la estructuración de
la sesión en sí y en la naturaleza de las actuaciones llevadas a cabo.La clase se inicia con una preparación o
motivación donde se despierta el cuerpo, se agudizan los sentidos y se centra
la atención. En este caso se trata de marcar el ritmo de una pieza sencilla
(música infantil). interpretada por el piano, por parejas. Aprovechamos para
puntualizar que en el método Dalcroze se utiliza el piano como el mejor recurso
para mostrar ejemplos musicales. El profesor improvisa pequeñas piezas o
fragmentos, aunque también al final del vídeo la profesora recurre a la
guitarra como otro recurso instrumental válido.
Seguidamente, se interpreta una pieza de carácter menos
alegre y más lenta que la primera interpretada; siempre con ayuda del piano. El
alumnado se mueve libremente por el espacio siguiendo la melodía.También se registra en el video la
realización de un saludo cordial al acabar estas dos actuaciones citadas
(elemento común con la metodología comentada en el último post –Suzuki-).
Por otro lado, me llama mucho la atención“el juego de seguridad” que realizan. La
profesora con esta actividad pretende transmitir y crear un clima de confianza
y seguridad, el cual favorezca la expresión y creatividad.
Actividades donde brillan por su presencia elementos
musicales, son las siguientes:
-Movimientos ascendentes y descendentes con los cuales se
van representando las diferentes alturas que se interpretan con el piano
(escalas de la nota más grave a la más aguda y viceversa).
-Cambios de tiempo, dinámica, acentos, etc. los cuales se
expresan con el movimiento libre y la expresión corporal. Los estímulos sonoros
que se les presenta al alumnado no son ejercicios aislados y sin estética
comunicativa. Se les anima a mostrar/hacer visible con el cuerpo las diferentes
cualidades del sonido, según la intencionalidad del docente de manera
individual o grupal, pero con la libertad de la propia expresión, nunca de
manera coreográfica (esto permite la creatividad y el pensamiento divergente).
- Aunque el cuerpo es el instrumentoprincipal, se recurre al uso de objetos que
permiten la expresión corporal estética como en este caso los aros, campanas, peluches, pelota de tenis (pasar la
pelota en el tiempo fuerte del compás 4/4), etc. También llegan a personificar un
cuento relatado.
-Muy interesante
también las actividades para vivenciar en primera persona diferentes compases,
el análisis grupal de las figuras y su duración (uso de palabras y palmas para
determinar los pulsos, en este caso se muestra el ejemplo de los pulsos que de
una semicorchea).
- El solfeo también está presente al cantar las notas de la
escala de Do con ayuda del piano y los movimiento realizados por la profesora
(con ayuda de su mano, va marcando la altura de forma visual para que el
alumnado pueda entonarlas). Para ello, se emplea la técnica “Eco” la profesora
lo interpreta primero y el alumnado lo repite seguidamente (potencia el
desarrollo del oído interno, escucha activa y memoria musical). También se
muestra otra dinámica en la que se trabaja de forma gráfica (pentagrama
pizarra) la representación visual de las diferentes alturas de la escala en
clave de sol (se puede observar claramente como uno de los alumnos indica a la
profesora usando la mímica/gestos, cómo dibujar la primera nota de la escala de
Do).
- Se da también un periodo de relajación, en el que adquiere
especial relevancia la técnica de Alexander con la cual el alumnado reduce el
estrés y relaja su cuerpo. Con esta técnica se pretende evitar la tensión muscular
mediante la reestructuración del movimiento físico (ejemplo muy claro en el
vídeo).
-Finalmente, en la última experiencia recogida en el vídeo
aparece la maestra interpretando una canción infantil (cantada) acompañándose
de la guitarra y sentados en el suelo (ausencia de movimiento). Aunque es fácilmente
notable el interés del alumnado por querer acompañar a la canción con
movimientos corporales.
En definitiva, este vídeo muestra de forma muy clara la puesta
en práctica de los tres grandes principios de la metodología Dalcroze: La
rítmica, el solfeo y la improvisación.
Después de algunos meses, me alegra activar de nuevo este
blog partiendo de una entrada como la que ahora os presento. ¿Pedagogos
musicales?, ¿pedagogía musical activa?...aunque aún es pronto para abordar
estas cuestiones, serán objetos de estudio y resolución a lo largo de estos
meses.
Y como mi curiosidad es mayor que mi incertidumbre, he
decidido lanzarme a la red para indagar sobre un pedagogo, violinista y
humanista japonés. Su nombre es Shin´ichi Suzuki, creador y propulsor del
conocido “método Suzuki”. El título que he asignado a esta entrada, alude al
fundamento base sobre el que se desarrolla dicho método.
Suzuki analizó cómo los niños llegan a hablar y dominar su
propia lengua materna, de manera que, esos pasos que siguen fueran la base para
desarrollar la habilidad de tocar un instrumento musical. Para ello, Suzuky
establecía una serie de condiciones:
-Para Suzuki es importante que los niños se inicien en la
práctica instrumental lo antes posible (llegando a considerar la música como
parte natural de sus vidas). A partir del punto de partida, entran
en juego dos agentes esenciales: en primer lugar, la práctica continuada de
forma que cada vez el alumno adquiera más habilidad; y en segundo lugar, la
importancia del acompañamiento y atención por parte de los padres en el desarrollo
musical de sus hijos (práctica instrumental
conjunta). Desde mi punto de vista, son dos premisas muy importantes y perfectamente
aplicables a cualquier tipo de aprendizaje que se realiza durante la infancia e
incluso en la adolescencia. Suzuky decía:
“El destino de un
niño está en las manos de sus padres”
-El ambiente es un factor también a tener en cuenta y con
él, la exposición auditiva del niño a piezas musicales que despierten su
interés. De ahí la necesidad de asistencia a conciertos en directo, escucha
activa del repertorio a interpretar, etc. El dominio de nuestra lengua lo
adquirimos de este modo, a través de una continua exposición auditiva (de ahí
su aplicación en el ámbito musical).
-Se trata de un proceso de aprendizaje “constructivista”, el
niño debe asegurar cada habilidad para que se convierta en base de la próxima
habilidad a construir. Prioriza el desarrollo de la escucha e interpretación, a
la lectura musical (posterior). Básicamente, aprendemos antes a hablar que a
leer y por lo tanto, se aprende primero el lenguaje de la música y después a
leerlo.
- Sin hábito/entrenamiento, no hay habilidad. Puedes tener
un talento innato, pero si no se cultiva se verá mermado.
-La repetición de las piezas aprendidas (proceso
acumulativo) se considera otro valioso recurso.
Y por último, me gustaría hacer referencia al papel de los
docentes que enseñan música basándose en este método. El maestro siempre tiene
que cultivar sus habilidades musicales y permanecer siempre en continua
formación. Como dato curioso, según el nivel del que van a estudiar la
metodología de enseñanza, deben interpretar de memoria el repertorio del libro en
cuestión.
Para cerrar esta entrada, me gustaría concluir con un breve
vídeo en el que se ejemplifica los puntos aquí desarrollados (ejemplo real de
una clase basada en esta metodología) y poner en relieve los tres grandes
principios en los que se basa la pedagogía de Suzuky: Amor, aliento y
contención.
¡Cómo pasa el tiempo! Parece que fue ayer cuando creé este blog y ya han pasado casi tres mese... esto no es una despedida ni mucho menos, es un hasta luego (o muy pronto). Toca descansar, creo que junio viene con fuerza y las vacaciones de verano están a la vuelta de la esquina. Hago este pequeño paréntesis no solo para desconectar, sino para seguir aprendiendo y nutriéndome de lo que el mundo de la música nos ofrece día a día. Esto me aportará mucho más material para poder seguir escribiendo alguna que otra entrada.
Terminar, dando las gracias a tod@s l@s que os pasáis por aquí para leer mis pequeñas aportaciones en relación al mundo musical y desearos un feliz verano:)
Y... espero que sigáis "Dando La Nota" como hasta ahora!!!!!!!
Se conoce como Método de Suzuky a la técnica pedagógica mediante la cual se enseña, tanto a adultos como niños principiantes a tocar un instrumento. En este post, os explicaremos en concreto el proceso de enseñanza-aprendizaje de un instrumento como el piano a través de este método.
El punto de partida de esta técnica es que el hombre es producto del ambiente y su talento no es innato. El aprendizaje de la música se lleva a cabo de la misma forma que la adquisición de la lengua materna: Al principio, el vocabulario y las oraciones se aprenden a través de escuchar a los demás y finalmente se aprende la lectura, escritura y gramática. Por lo tanto en el ámbito musical, primero se aprenden los sonidos y posteriormente los símbolos del sonido.
Es importante que se tome contacto con el instrumento desde edades muy tempranas (2 años y medio o tres) y que el entrenamiento se realice a través de repetición de acciones correctas. Por parte del profesorado, es fundamental la enseñanza de producir un bello sonido o tono cantable en el instrumento desde el principio y el establecimiento de un modelo de calidad tonal para ejecutar las piezas que se están estudiando.
Las lecciones que se desarrollan a partir de este método deben ser de unos 15 minutos, en los que el alumnado esté entretenido y dos veces en semana. Otra de las figuras esenciales en el proceso de enseñanza-aprendizaje es la presencia de los padres del alumnado durante las lecciones. Estos deben asistir a las clases y tomar notas sobre las recomendaciones dadas por los docentes. Además, son los primeros en aprender a leer la notación, para poder así ayudar a sus hijos que la usaran tras oír canciones de una grabación e imitar los movimientos de dedos realizados por sus profesores.
Una vez que la sensibilidad musical, la habilidad de tocar y memorizar han sido entrenadas, se les enseñan a leer la notación. En un primer momento se llevará a cabo una lectura a primera vista y posteriormente, un entrenamiento auditivo a través de solfeo y dictado. Por último, se les enseñan todo los aspectos más formales en relación con el piano (posición de las manos, la reverencia, postura para sentarse, etc. ) y se les introduciría los libros de piano graduados por dificultad.
A continuación os muestro un vídeo de una alumna (de un nivel medio-avanzado) en el que se pueden apreciar muy bien los diferentes aspectos comentados anteriormente que caracterizan al método Suzuki.
¿Un centenario? ¿a qué se refiere? Pues sí, chicos y
chicas,en 2020 los instrumentos
electrónicos cumplirán 100 años desde su nacimiento ¡Cómo pasa el tiempo!
Estos instrumentos aparecen por primera vez en la década de
1920, cuando se comenzaron a aplicar las nuevas tecnologías a la Música y, hasta el
momento, han protagonizado una buena parte del panorama musical actual. A
continuación abordaremos en profundidad algunos de los instrumentos que fueron
pioneros en esta corriente musical, considerados en sus inicios "instrumentos
complejos de manejar y rudimentarios", pero pronto cautivaron a muchos
compositores y se utilizaron tanto en salas de conciertos como en bandas
sonoras para crear efectos especiales de sonido.
Empezaremos con el Theremin, un instrumento inventado en
1919 por el físico y músico ruso Lev Serguéievich Termen. Este consta de dos
partes principales; una caja y dos antenas conectadas a ella.¿Cómo hacer sonar un Theremin? pues
sencillamente acercamos y alejamos la mano de cada una de las antenas
correspondientes, sin tocarlas. La antena derecha suele ser más recta, vertical
y permite controlar la frecuencia o tono (cuanto más se aproxime la mano
derecha de la misma, más agudo será el sonido). La antena izquierda es
horizontal y con forma de bucle. Esta última nos permite controlar el volumen (cuanto
más cerca de la misma esté la mano izquierda, más baja el volumen).
A continuación os dejo un vídeo para que podáis observar las
partes que componen este instrumento, el sonido que produce, cómo se produce,
etc.
Otro ejemplo de instrumento electrónico sería las Ondas
Martenot, inventado en 1928 por el compositor Maurice Martenot. Está compuesto
por un teclado , un altavoz y un generador de baja frecuencia. Es un
instrumento monofónico (produce notas simultáneas), cuando se presiona una
tecla solo puede producirse un solo sonido. Este instrumento fue usado por
muchos compositores, entre ellos Olivier Messiaen que las incluye en la
Sinfonía Turangalila.
Aquí os dejo un vídeo donde podréis disfrutar de las Ondas Martenot.
Pues hasta aquí la entrada de hoy, espero que os haya gustado y os animo a seguir indagando acerca de estos instrumentos, puede que alguno de mis lectores acabe teniendo en casa un Theremin o Ondas Martenot.
Os habéis preguntado alguna vez por qué las notas musicales
reciben el nombre que tienen, ¿quién les puso ese nombre?, ¿en que se basó para
ello?, ¿su denominación es universal?, etc.
Ante estas cuestiones que nos plantemos, hemos iniciado una
profunda búsqueda y en este post trataremos de darles respuesta.
Las notas musicales que actualmente conocemos se agrupan en diferentes octavas, las cuales son enumeradas a través del índice acústico. Este
índice nos permite determinar las diferentes notas existentes con su altura
exacta o absoluta, siempre teniendo en cuenta la octava a la que nos referimos.
Incluso podemos establecer el nombre de varias notas sin necesidad de utilizar
una clave, ya que se colocan números tras el nombre de la nota como si fuera el
“apellido” de la misma. Se puede combinar con el sistema latino de notación
musical (Do3, Mi5…) y con el anglosajón (C3, E5…).
Pero es de gran importancia tener en cuenta que no solo
contamos con un único sistema o índice acústico para dar nombre a las notas de
la escala, sino que disponemos de dos vías con notables diferencias:
-El sistema francobelga. Este modo asigna el número 3 a la octava donde se
encuentra la nota que denominamos como “Do central” y el conocido La de los 440
Hz o del diapasón. Como acabamos de comentar, teniendo como referencia la nota
Do3, podemos poner nombre al resto de notas según la escala a la que
pertenezcan. A continuación os dejo una imagen donde se clarifica lo explicado
anteriormente:
-El sistema internacional/científico. Este es otro sistema también utilizado, en el que se asigna el número 4 a la octava donde encontramos el denominado "Do central". Teniendo como referencia este Do4 podremos poner nombre (con su respectivo número) al resto de notas que completan la escala de manera similar a como se muestra en las imágenes anteriores.
Para terminar también comentar la diferencia que existe entre la enumeración de las escalas en el sistema internacional y el sistema francobelga. Mientras que en este último sistema se emplean números negativos para hacer referencia a las escalas situadas a la izquierda del Do central (más graves), en el sistema internacional no se emplearían números negativos ya que aludirían a frecuencias fuera del rango audible por el ser humano.
Hasta aquí la explicación sobre los dos sistemas existentes en relación al índice acústico, un termino poco trabajado en las aulas de primaria con los alumnos y que deberíamos empezar a tratar según el nivel escolar al que nos dirijamos.
Desde el CEIP El Quijote, centro escolar situado en la ciudad de Madrid, se promueven nuevas metodologías de enseñanza-aprendizaje dentro del área de Educación Musical. El profesor Jorge Mellado Benito (maestro de Música en dicho colegio) decidió crear para ello, una plataforma virtual conocida como Creciendo en espiral en El Quijote.
Se trata de un blog de Educación Musical a través del cual se comparten experiencias, recursos musicales, etc., según Mellado " para abrir cada vez más nuestra mente creciendo como una espiral".
En esta plataforma de fácil acceso para el alumnado, se cuelgan materiales vistos previamente en clase, para que el alumnado practique lo aprendido y pueda ampliar su conocimiento musical con material complementario.
Dentro de este blog hay distintos puntos de interés según los diferentes aspectos musicales que se hayan tocado en las aulas, es decir, no solo hay material relacionado con la flauta de pico sino que también hay recursos interesantes sobre expresión corporal, danza, dramatización, coro, materiales para el alumnado de Educación Infantil, de Primaria, etc.
En cuanto a lo relacionado con la flauta dulce, el profesor proporciona material al alumnado de manera digital (mediante el blog) y en formato vídeo. En ellos aparece la partitura de la obra a interpretar acompañada de su base musical. Esto último suele motivar mucho al alumnado y a ellos les encanta tener dicho acompañamiento.
También mucho de estos vídeos están relacionados con algún aspecto teórico que se haya visto en clase sobre la flauta de pico. Por ejemplo, hay un post en el blog, en concreto, el del 14 de noviembre de 2017 que va destinado al alumnado del tercer ciclo. Este post se centra en la canción Rolling in the deep de la cantante Adele y con ella se pretende que los alumnos pongan en práctica lo que en el aula se vio de forma teórica; las notas de la escala de DO Mayor. Por un lado les pone la canción original interpretada por la cantante, con el objetivo de que realicen una escucha activa. A continuación, aparece otro vídeo en el cual se muestra la partitura de la obra con el nombre de las notas puesto debajo de cada una de ellas. A medida que va avanzando el vídeo va sonando la melodía base para acompañar al intérprete que la toca con la flauta y una fina línea verde va recorriendo todas las notas del pentagrama marcando tanto la duración de cada una de ellas, como el tiempo de la canción. Durante mi etapa en Educación Primaria, la flauta ha sido el instrumento que más he trabajado y practicado en clase de música. El maestro nos repartía las partituras y, poco después de haberla trabajado en clase (poniendo el nombre de las notas bajo cada una de ellas) nos hacía un examen práctico el cual conllevaba una nota importante de la asignatura. Realmente aprendí mucho sobre este instrumento, pero pienso que si hubiera contado con recursos tan interesantes y dinámicos como los aquí presentados, mi aprendizaje hubiera sido más amplio y atractivo. Es una suerte poder contar hoy en día con medios tecnológicos en las aulas, los cuales permiten acercar el aprendizaje del alumnado lo máximo posible a las realidades más cercanas del mundo en el que viven, en este caso, del mundo musical. Aquí os dejo el enlace del blog para que podáis echar un vistazo a todos los recursos que en él quedan recogidos: Espiralidoso
No podía acabar esta semana sin poner un post sobre el
gran día celebrado el pasado 23 de abril, el Día del Libro. Esta fecha suele ser
muy celebrada por la mayor parte de centros escolares y cada año se realizan
diversas actividades entorno al mismo.
De todos los colegios que celebran este día, me gustaría
destacar el CEIP San Juan de Ribera situado en la localidad de Bornos (Cádiz).
Os hablo de este colegio público, porque es donde llevo a cabo mis prácticas docentes y he
podido vivir de primera mano todas las actividades, talleres y propuestas que
se han realizado en conmemoración de este día.
En este centro celebran la Semana de la Feria del Libro. Durante estos cinco días el alumnado
ha recibido la visita de varios escritores de cuentos, algún que otro
padre/madre ha recitado poesías, han llevado a cabo el apadrinamiento lector
entre diferentes ciclos, intercambio de libros, representaciones teatrales,
etc.
Sin embargo, una de las actividades que más gustó al
alumnado fue la llevada a cabo por el alumnado de cuarto de primaria, quienes
recitaron e interpretaron el poema llamado “Trivagia” de Juan del Encina
(1469-1529) acompañados por música en directo compuesta por el mismo autor.
Esta obra se caracteriza por ser polifónica a cuatro voces “Más vale trocar” y
fue interpretada por dos alumnos al piano y con la flauta travesera, por la
maestra de música al oboe y el maestro de música con el violín.
La representación e interpretación se ambientaba en la
época de hace unos quinientos años, tiempos en los que vivía Juan del Encina y
Don Fadrique Enríquez de Ribera. Este último personaje es un peregrino con gran
importancia para el pueblo de Bornos porque hace cinco siglos emprendió su
viaje de peregrinación desde Bornos a Jerusalén y en este 2019 se celebra el
quinto centenario de este viaje. Desde el centro se promueve el conocimiento por parte del alumnado de la historia del pueblo en el que viven y en este caso, lo hacen de la mano de un libro y música.
