“Acaba de tocar sus primeras notas…”

Después de algunos meses, me alegra activar de nuevo este blog partiendo de una entrada como la que ahora os presento. ¿Pedagogos musicales?, ¿pedagogía musical activa?...aunque aún es pronto para abordar estas cuestiones, serán objetos de estudio y resolución a lo largo de estos meses.

Y como mi curiosidad es mayor que mi incertidumbre, he decidido lanzarme a la red para indagar sobre un pedagogo, violinista y humanista japonés. Su nombre es Shin´ichi Suzuki, creador y propulsor del conocido “método Suzuki”. El título que he asignado a esta entrada, alude al fundamento base sobre el que se desarrolla dicho método.

Suzuki analizó cómo los niños llegan a hablar y dominar su propia lengua materna, de manera que, esos pasos que siguen fueran la base para desarrollar la habilidad de tocar un instrumento musical. Para ello, Suzuky establecía una serie de condiciones:

-Para Suzuki es importante que los niños se inicien en la práctica instrumental lo antes posible (llegando a considerar la música como parte natural de sus vidas). A partir del punto de partida, entran en juego dos agentes esenciales: en primer lugar, la práctica continuada de forma que cada vez el alumno adquiera más habilidad; y en segundo lugar, la importancia del acompañamiento y atención por parte de los padres en el desarrollo musical de sus hijos (práctica instrumental conjunta). Desde mi punto de vista, son dos premisas muy importantes y perfectamente aplicables a cualquier tipo de aprendizaje que se realiza durante la infancia e incluso en la adolescencia. Suzuky decía:

“El destino de un niño está en las manos de sus padres” 

-El ambiente es un factor también a tener en cuenta y con él, la exposición auditiva del niño a piezas musicales que despierten su interés. De ahí la necesidad de asistencia a conciertos en directo, escucha activa del repertorio a interpretar, etc. El dominio de nuestra lengua lo adquirimos de este modo, a través de una continua exposición auditiva (de ahí su aplicación en el ámbito musical).

-Se trata de un proceso de aprendizaje “constructivista”, el niño debe asegurar cada habilidad para que se convierta en base de la próxima habilidad a construir. Prioriza el desarrollo de la escucha e interpretación, a la lectura musical (posterior). Básicamente, aprendemos antes a hablar que a leer y por lo tanto, se aprende primero el lenguaje de la música y después a leerlo.

- Sin hábito/entrenamiento, no hay habilidad. Puedes tener un talento innato, pero si no se cultiva se verá mermado.

-La repetición de las piezas aprendidas (proceso acumulativo) se considera otro valioso recurso.

Y por último, me gustaría hacer referencia al papel de los docentes que enseñan música basándose en este método. El maestro siempre tiene que cultivar sus habilidades musicales y permanecer siempre en continua formación. Como dato curioso, según el nivel del que van a estudiar la metodología de enseñanza, deben interpretar de memoria el repertorio del libro en cuestión.

Para cerrar esta entrada, me gustaría concluir con un breve vídeo en el que se ejemplifica los puntos aquí desarrollados (ejemplo real de una clase basada en esta metodología) y poner en relieve los tres grandes principios en los que se basa la pedagogía de Suzuky: Amor, aliento y contención.

¡Hasta pronto! 🙋

¡Cómo pasa el tiempo! Parece que fue ayer cuando creé este blog y ya han pasado casi tres mese... esto no es una despedida ni mucho menos, es un hasta luego (o muy pronto). Toca descansar, creo que junio viene con fuerza y las vacaciones de verano están a la vuelta de la esquina. Hago este pequeño paréntesis no solo para desconectar, sino para seguir aprendiendo y nutriéndome de lo que el mundo de la música nos ofrece día a día. Esto me aportará mucho más material para poder seguir escribiendo alguna que otra entrada. 

Terminar, dando las gracias a tod@s l@s que os pasáis por aquí para leer mis pequeñas aportaciones en relación al mundo musical y desearos un feliz verano:) 

Y... espero que sigáis "Dando La Nota" como hasta ahora!!!!!!!

Paula💓

Aprende piano con el Método Suzuki

Se conoce como Método de Suzuky a la técnica pedagógica mediante la cual se enseña, tanto a adultos como niños principiantes a tocar un instrumento. En este post, os explicaremos en concreto el proceso de enseñanza-aprendizaje de un instrumento como el piano a través de este método.

El punto de partida de esta técnica es que el hombre es producto del ambiente y su talento no es innato. El aprendizaje de la música se lleva a cabo de la misma forma que la adquisición de la lengua materna: Al principio, el vocabulario y las oraciones se aprenden a través de escuchar a los demás y finalmente se aprende la lectura, escritura y gramática. Por lo tanto en el ámbito musical, primero se aprenden los sonidos y posteriormente los símbolos del sonido.

Es importante que se tome contacto con el instrumento desde edades muy tempranas (2 años y medio o tres) y que el entrenamiento se realice a través de repetición de acciones correctas. Por parte del profesorado, es fundamental la enseñanza de producir un bello sonido o tono cantable en el instrumento desde el principio y el establecimiento de un modelo de calidad tonal para ejecutar las piezas que se están estudiando.

Las lecciones que se desarrollan a partir de este método deben ser de unos 15 minutos, en los que el alumnado esté entretenido y dos veces en semana. Otra de las figuras esenciales en el proceso de enseñanza-aprendizaje es la presencia de los padres del alumnado durante las lecciones. Estos deben asistir a las clases y tomar notas sobre las recomendaciones dadas por los docentes. Además, son los primeros en aprender a leer la notación, para poder así ayudar a sus hijos que la usaran tras oír canciones de una grabación e imitar los movimientos de dedos realizados por sus profesores.

Una vez que la sensibilidad musical, la habilidad de tocar y memorizar han sido entrenadas, se les enseñan a leer la notación. En un primer momento se llevará a cabo una lectura a primera vista y posteriormente, un entrenamiento auditivo a través de solfeo  y dictado. Por último, se les enseñan todo los aspectos más formales en relación con el piano (posición de las manos, la reverencia, postura para sentarse, etc. ) y se les introduciría los libros de piano graduados por dificultad.

A continuación os muestro un vídeo de una alumna (de un nivel medio-avanzado) en el que se pueden apreciar muy bien los diferentes aspectos comentados anteriormente que caracterizan al método Suzuki.

Ha pasado casi un centenario...

¿Un centenario? ¿a qué se refiere? Pues sí, chicos y chicas,  en 2020 los instrumentos electrónicos cumplirán 100 años desde su nacimiento ¡Cómo pasa el tiempo!

Estos instrumentos aparecen por primera vez en la década de 1920, cuando se comenzaron a aplicar las nuevas tecnologías a la Música y, hasta el momento, han protagonizado una buena parte del panorama musical actual. A continuación abordaremos en profundidad algunos de los instrumentos que fueron pioneros en esta corriente musical, considerados en sus inicios "instrumentos complejos de manejar y rudimentarios", pero pronto cautivaron a muchos compositores y se utilizaron tanto en salas de conciertos como en bandas sonoras para crear efectos especiales de sonido.

Empezaremos con el Theremin, un instrumento inventado en 1919 por el físico y músico ruso Lev Serguéievich Termen. Este consta de dos partes principales; una caja y dos antenas conectadas a ella.  ¿Cómo hacer sonar un Theremin? pues sencillamente acercamos y alejamos la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin tocarlas. La antena derecha suele ser más recta, vertical y permite controlar la frecuencia o tono (cuanto más se aproxime la mano derecha de la misma, más agudo será el sonido). La antena izquierda es horizontal y con forma de bucle. Esta última nos permite controlar el volumen (cuanto más cerca de la misma esté la mano izquierda, más baja el volumen).

A continuación os dejo un vídeo para que podáis observar las partes que componen  este instrumento, el sonido que produce, cómo se produce, etc.

Otro ejemplo de instrumento electrónico sería las Ondas Martenot, inventado en 1928 por el compositor Maurice Martenot. Está compuesto por un teclado , un altavoz y un generador de baja frecuencia. Es un instrumento monofónico (produce notas simultáneas), cuando se presiona una tecla solo puede producirse un solo sonido. Este instrumento fue usado por muchos compositores, entre ellos Olivier Messiaen que las incluye en la Sinfonía Turangalila.

Aquí os dejo un vídeo donde podréis disfrutar de las Ondas Martenot.

Pues hasta aquí la entrada de hoy, espero que os haya gustado y os animo a seguir indagando acerca de estos instrumentos, puede que alguno de mis lectores acabe teniendo en casa un Theremin o Ondas Martenot.

¿Qué sabes sobre el llamado "índice acústico"?

Os habéis preguntado alguna vez por qué las notas musicales reciben el nombre que tienen, ¿quién les puso ese nombre?, ¿en que se basó para ello?, ¿su denominación es universal?, etc.

Ante estas cuestiones que nos plantemos, hemos iniciado una profunda búsqueda y en este post trataremos de darles respuesta.

Las notas musicales que actualmente conocemos se agrupan en diferentes octavas, las cuales son enumeradas a través del índice acústico. Este índice nos permite determinar las diferentes notas existentes con su altura exacta o absoluta, siempre teniendo en cuenta la octava a la que nos referimos. Incluso podemos establecer el nombre de varias notas sin necesidad de utilizar una clave, ya que se colocan números tras el nombre de la nota como si fuera el “apellido” de la misma. Se puede combinar con el sistema latino de notación musical (Do3, Mi5…) y con el anglosajón (C3, E5…).

Pero es de gran importancia tener en cuenta que no solo contamos con un único sistema o índice acústico para dar nombre a las notas de la escala, sino que disponemos de dos vías con notables diferencias:

-El sistema francobelga. Este modo asigna el número 3 a la octava donde se encuentra la nota que denominamos como “Do central” y el conocido La de los 440 Hz o del diapasón. Como acabamos de comentar, teniendo como referencia la nota Do3, podemos poner nombre al resto de notas según la escala a la que pertenezcan. A continuación os dejo una imagen donde se clarifica lo explicado anteriormente:

-El sistema internacional/científico. Este es otro sistema también utilizado, en el que se asigna el número 4 a la octava donde encontramos el denominado "Do central". Teniendo como referencia este Do4 podremos poner nombre (con su respectivo número) al resto de notas que completan la escala de manera similar a como se muestra en las imágenes anteriores.

Para terminar también comentar la diferencia que existe entre la enumeración de las escalas en el sistema internacional y el sistema francobelga. Mientras que en este último sistema se emplean números negativos para hacer referencia a las escalas situadas a la izquierda del Do central (más graves), en el sistema internacional no se emplearían números negativos ya que aludirían a frecuencias fuera del rango audible por el ser humano.

Hasta aquí la explicación sobre los dos sistemas existentes en relación al índice acústico, un termino poco trabajado en las aulas de primaria con los alumnos y que deberíamos empezar a tratar según el nivel escolar al que nos dirijamos.

TICs + Flauta de Pico en Primaria= una interesante fusión

Desde el CEIP El Quijote, centro escolar situado en la ciudad de Madrid, se promueven nuevas metodologías de enseñanza-aprendizaje dentro del área de Educación Musical. El profesor Jorge Mellado Benito (maestro de Música en dicho colegio) decidió crear para ello, una plataforma virtual conocida como Creciendo en espiral en El Quijote.

Se trata de un blog de Educación Musical a través del cual se comparten experiencias, recursos musicales, etc., según Mellado " para abrir cada vez más nuestra mente creciendo como una espiral".

En esta plataforma de fácil acceso para el alumnado, se cuelgan materiales vistos previamente en clase, para que el alumnado practique lo aprendido y pueda ampliar su conocimiento musical con material complementario.

Dentro de este blog hay distintos puntos de interés según los diferentes aspectos musicales que se hayan tocado en las aulas, es decir, no solo hay material relacionado con la flauta de pico sino que también hay recursos interesantes sobre expresión corporal, danza, dramatización, coro, materiales para el alumnado de Educación Infantil, de Primaria, etc.

En cuanto a lo relacionado con la flauta dulce, el profesor proporciona material al alumnado de manera digital (mediante el blog) y en formato vídeo. En ellos aparece la partitura de la obra a interpretar acompañada de su base musical. Esto último suele motivar mucho al alumnado y a ellos les encanta tener dicho acompañamiento.

También mucho de estos vídeos están relacionados con algún aspecto teórico que se haya visto en clase sobre la flauta de pico. Por ejemplo, hay un post en el blog, en concreto, el del 14 de noviembre de 2017 que va destinado al alumnado del tercer ciclo. Este post se centra en la canción Rolling in the deep de la cantante Adele y con ella se pretende que los alumnos pongan en práctica lo que en el aula se vio de forma teórica; las notas de la escala de DO Mayor.
Por un lado les pone la canción original interpretada por la cantante, con el objetivo de que realicen una escucha activa. A continuación, aparece otro vídeo en el cual se muestra
la partitura de la obra con el nombre de las notas puesto debajo de cada una de ellas. A medida que va avanzando el vídeo va sonando la melodía base para acompañar al intérprete que la toca con la flauta y una fina línea verde va recorriendo todas las notas del pentagrama marcando tanto la duración de
cada una de ellas, como el tiempo de la canción.

Durante mi etapa en Educación Primaria, la flauta ha sido el instrumento que más he trabajado y practicado en clase de música. El maestro nos repartía las partituras y, poco después de haberla trabajado en clase (poniendo el nombre de las notas bajo cada una de ellas) nos hacía un examen práctico el cual conllevaba una nota importante de la asignatura. Realmente aprendí mucho sobre este instrumento, pero pienso que si hubiera contado con recursos tan interesantes y dinámicos como los aquí presentados, mi aprendizaje hubiera sido más amplio y atractivo. Es una suerte poder contar hoy en día con medios tecnológicos en las aulas, los cuales permiten acercar el aprendizaje del alumnado lo máximo posible a las realidades más cercanas del mundo en el que viven, en este caso, del mundo musical.

Aquí os dejo el enlace del blog para que podáis echar un vistazo a todos los recursos que en él quedan recogidos: Espiralidoso

Libro y música, de la mano.

No podía acabar esta semana sin poner un post sobre el gran día celebrado el pasado 23 de abril, el Día del Libro. Esta fecha suele ser muy celebrada por la mayor parte de centros escolares y cada año se realizan diversas actividades entorno al mismo.

De todos los colegios que celebran este día, me gustaría destacar el CEIP San Juan de Ribera situado en la localidad de Bornos (Cádiz). Os hablo de este colegio público, porque es  donde llevo a cabo mis prácticas docentes y he podido vivir de primera mano todas las actividades, talleres y propuestas que se han realizado en conmemoración de este día.

En este centro celebran la Semana de la Feria del Libro. Durante estos cinco días el alumnado ha recibido la visita de varios escritores de cuentos, algún que otro padre/madre ha recitado poesías, han llevado a cabo el apadrinamiento lector entre diferentes ciclos, intercambio de libros, representaciones teatrales, etc.

Sin embargo, una de las actividades que más gustó al alumnado fue la llevada a cabo por el alumnado de cuarto de primaria, quienes recitaron e interpretaron el poema llamado “Trivagia” de Juan del Encina (1469-1529) acompañados por música en directo compuesta por el mismo autor. Esta obra se caracteriza por ser polifónica a cuatro voces “Más vale trocar” y fue interpretada por dos alumnos al piano y con la flauta travesera, por la maestra de música al oboe y el maestro de música con el violín.

La representación e interpretación se ambientaba en la época de hace unos quinientos años, tiempos en los que vivía Juan del Encina y Don Fadrique Enríquez de Ribera. Este último personaje es un peregrino con gran importancia para el pueblo de Bornos porque hace cinco siglos emprendió su viaje de peregrinación desde Bornos a Jerusalén y en este 2019 se celebra el quinto centenario de este viaje. Desde el centro se promueve el conocimiento por parte del alumnado de la historia del pueblo en el que viven y en este caso, lo hacen de la mano de un libro y música.

La música, una de las protagonistas principales.

Antes de entrar de lleno en esta entrada de hoy, me gustaría que le echarais un vistazo al siguiente vídeo que os muestro a continuación:

¿Qué os ha parecido? Si viviésemos a finales del siglo XIX y principios del XX, seguramente hubiéramos podido disfrutar de este corto en cualquier cine con música en directo. Hablo de lo que hoy en día conocemos como "cine mudo".

Por aquellos entonces las películas aún no soportaban audio y eran las propias salas donde se visualizaban las películas y cortos, las encargadas de incorporar el carácter musical. La combinación de fotogramas del cine y las melodías del audio, revolucionó por aquel entonces la industria cinematográfica.

Pero...¿cómo hacían posible esta combinación?, llevar una orquesta hasta las salas de cine era demasiado caro y aparatoso. A raíz de esta necesidad, aparecen y son creados unos aparatos musicales, conocidos con el nombre de Fotoplayers.
Siendo sincera, el principal motivo que me ha llevado a escribir esta entrada ha sido este espectacular instrumento, que apareció ante mí inesperadamente mientras echaba un vistazo en mi cuenta de Twitter. Realmente, no cabía en mi asombro ante lo que veía.

Además de estar presente en el vídeo anterior, seguramente lo hayas oído en muchas de las películas Disney (sobre todo en las primeras producidas). 
El Fotoplayer es muy parecido a la clásica pianola, una especie de piano que podía automatizarse mediante rollos de papel perforados, para que se repitiera una melodía determinada sin la presencia del músico. 
Lo que le caracterizaba era la riqueza de matices: en las películas se intentaban transmitir diferentes tipos de emociones y por ello, en la melodía podíamos encontrar tanto elementos clásicos sonoros (piano) como todo tipo de efectos y ruidos aparentemente aleatorios.

Mirad, este es el vídeo que me encontré por Twitter, es una verdadera pasada:

Elementos musicales que hoy se introducen en las películas mediante programas digitales, hace algo más de un siglo se introducían mediante esta maravilla de aparato ¡Qué sería de una buena película sin los elementos musicales que la identifican!

Puedes encontrar más información en Un instrumento bastante curioso.

Un proyecto muy flamenco

Flamenco en el aula es el nombre que recibe el proyecto creado en 2008 por la bailaora, pedagoga y especialista en didáctica del flamenco, Silvia Marín y Mary Ruth Mc Ginn, impulsadas por la directora de la Fundación Antonio Gades, Eugenia Eiriz.

Es un proyecto inspirado en programas educativos estadounidenses y en el cual se pretende integrar el conocimiento del Flamenco en las escuelas, como herramienta de aprendizaje de manera interdisciplinar. Además, durante las diferentes sesiones, está permitida la entrada y participación de las familias  en el proyecto. Pequeños y mayores construyen el conocimiento juntos y disfrutan de ello.

Este proyecto pretende que las nuevas generaciones , desde una institución como la escuela, conozcan este gran género musical declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad y del cual disfrutamos en nuestro país, por ser la cuna de dicho arte.

“El Flamenco como un arte cercano y fácilmente reconocible, asimilándolo de forma natural durante el aprendizaje en el aula.”

Es muy curiosa la metodología que se emplea para desarrollar este proyecto en las escuelas, ya que a través de técnicas y métodos educativos propios del siglo XXI; se inculca lo característico y tradicional del flamenco. No es necesario que los docentes sean especialistas en temas relacionados con el Flamenco, este se aborda de tal forma que es concebido como un posible “vehículo de trabajo”.

El programa desarrollado permite al docente trabajar con el alumnado las competencias básicas, estableciendo conexiones con todas las áreas. Por ejemplo, desde el área de Lengua y Literatura se profundiza en las vidas de grandes artistas como poetas, cantaores, etc., se investigan letras tradicionales de distintos palos flamencos, recitando poemas, etc. Desde las Matemáticas, se establecen relaciones entre el compás flamenco y el concepto de fracción y operaciones. Las nuevas tecnologías están presentes también en este proyecto, en las creaciones plásticas se emplean diferentes técnicas y materiales para abordar diferentes temas flamencos, etc.

En Flamenco en el aula encontraréis más información sobre la Fundación Antonio Gades y muchos más recursos. Además, esta página cuenta con un vídeo el cual muestra un completo resumen sobre el proyecto en sí y todas las actuaciones que se llevan a cabo. 

¡He aquí un ejemplo ideal de lo que buscábamos en el último post! y seguro que hay muchos más...

¡Apuesta por el Flamenco!

Para iniciar este post, me gustaría preguntaros…¿Recordáis, en vuestra etapa de Primaria, haber cursado alguna materia donde se tratase el Flamenco?

Os invito a que echéis la vista atrás y rememoréis aquellos felices años, si has tenido contacto con este género musical ¡siéntete afortunado! ; no todos hemos tenido esa gran suerte.

Con la implantación de la Ley de Educación de Andalucía (LEA) en el año 2007, el Flamenco empezó a tener cabida en los centros escolares a nivel autonómico, como material curricular a tratar. Aunque, no sería hasta su declaración como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad (2010), cuando verdaderamente el profesorado y la comunidad educativa se empiezan a preocupar por la enseñanza de este género musical, estos comienzan a formarse en materia flamenca, etc.

No solo eran conscientes de la importancia del Flamenco en la comunidad andaluza, sino que también les preocupaba la difusión que este tendría hacia otras comunidades y que, estas adoptaran o se adueñaran de esta seña de identidad andaluza.

La importancia que adoptó el Flamenco en el ámbito educativo por aquella época, parece que se ha ido perdiendo (en mi caso, por ejemplo, durante la Educación Primaria no he recibido enseñanzas relativas al flamenco), ¿Por qué ha ocurrido esto? ¿Cuál es el motivo por el cual se ha renegado este género en las escuelas? ¿Realmente se promueve la cultura andaluza hoy en día en nuestras aulas?

Ante esta postura que impera en nuestros días y el olvidado tratamiento de este género musical en la mayoría de las escuelas andaluzas (no en todas), se promueven ciertas actividades, como la que comento a continuación, para mantener la motivación y formación del profesorado.

Particularmente, me gustaría hablaros de las Jornadas de Flamenco y Educación que se celebran en Jerez de la Frontera (Cádiz). Existen otras jornadas provinciales, pero os voy a comentar las celebradas más recientemente.

Estas se llevaron a cabo el 12,13 y 14 del pasado mes de febrero, y tienen como finalidad la formación del profesorado, tanto en el conocimiento del flamenco como patrimonio en sus distintas formas(social,musical,emocional, artística, etc.) como en la riqueza de recursos y experiencias disponibles y adaptadas según nivel y área curricular.
Además, en esta edición, el grupo que se encarga de diseñar las jornadas quiere dar difusión a buenas prácticas a partir de los proyectos llevados a cabo por la Consejería de Educación de la Junta de Andalucía, además de recopilar materiales para ponerlos a disposición del profesorado a través de un banco de recursos vía Internet.

Cada año, las jornadas poseen un hilo conductor distinto y este año se centra en la relación del flamenco con otras artes, "Flamenco: el arte se nutre de arte". Si pincháis en JFyE encontraréis más información sobre el encuentro.


Os dejo el vídeo de la actuación que puso el broche final a estas jornadas, protagonizada por alumnos del IES Jorge Juan de San Fernando.

Si eres docente y te apasiona el flamenco, no te podrás perder estas jornadas de flamenco y educación de cara al 2020.

Cuando nace un gaditano

Cuando nace un gaditano, nace un claro de la luna… Así comienza la copla que se hizo con el triunfo en el XXII Certamen “Coplas del Carnaval de Cádiz para Andalucía” 2019.

Juan Carlos Aragón Becerra es el autor de esta reliquia de pasodoble, el cual fue llevado por su comparsa, tanto a este certamen como al Concurso Oficial de Agrupaciones carnavalescas de Cádiz (COAC).

Este año, el autor gaditano nos ofrece doble ración de poesía y música; por un lado, la que nos presenta como cada año con su comparsa (este año con el nombre de La Gaditaníssima) y por otro lado, la que nos regala con su chirigota donde muestra su lado más canalla (con el nombre El Chele Vara).

Han sido numerosas las coplas presentadas a dicho certamen, organizado por la Asociación de Autores de Carnaval de Cádiz y patrocinado por la Junta de Andalucía. Es un concurso exclusivo para las agrupaciones de modalidad adulta que concursen en el COAC y el premio que recibe la mejor copla consta de un trofeo, 6000 euros y la participación en la gala carnavalesca de “Lo mejón de lo mejó”.

Según el jurado de este vigésimo segundo certamen, el pasodoble que presentó la comparsa La Gaditaníssima poseía una belleza musical y en cuanto a letra inigualable, una ejecución del mismo perfecta, voces sin estridencias y, copio palabras textuales emitidas por el jurado “perfectamente vocalizada preparando al oyente para el apoteósico final”.

En el siguiente enlace Coplas para Andalucía podéis encontrar más información sobre este certamen, en él también aparece la letra de esta copla ganadora y alguna que otra reflexión y explicación de la misma por parte del jurado.

Para terminar, os invito a escuchar esta copla de un genio del carnaval y a disfrutar de sus obras de arte con las que nos ha deleitado todos estos carnavales. Más de 40 comparsas y chirigotas nos ha regalado cada febrero este profesor, escritor y letrista, siendo La Gaditanisisma una de ellas.

Body Music, explora y aprende con tu cuerpo.

¡Qué afortunados somos! Disponemos de un instrumento sonoro desde que nacemos, nuestro cuerpo.

Desde edades muy tempranas, en el ámbito educativo, se pretende acercar a los más pequeños a instrumentos musicales (instrumentos Orff) con el fin de desarrollar su percepción auditiva, el sentido del ritmo, la diferenciación de estos según su timbre, etc.

Sin embargo, se olvida y no se suele estudiar ni explorar en profundidad las posibilidades sonoras de nuestro cuerpo. En él disponemos de instrumentos como la voz, la boca, las manos y los pies.

En los primeros años, los niños deben dominar su cuerpo y conocer sus posibilidades de uso (este es requisito esencial para que, posteriormente, sepan desenvolverse con cualquier otro instrumento musical externo a su propio cuerpo).

Esta utilización y exploración del cuerpo humano como instrumento rítmico, acústico, dinámico y tímbrico  se conoce como percusión corporal.

Este último concepto que hemos tratado, empieza a ser tratado y estudiado por músicos como Doug Goodkin y Keith Terry llegando a crear una corriente conocida como Body Music.

Esta propuesta consiste en hacer música mediante la utilización de los instrumentos corporales que hemos nombrado anteriormente y se trabajan conjuntamente elementos como el ritmo, el tiempo, el pulso, etc.

Han sido numerosas las propuestas llevadas a cabo relacionadas con esta corriente musical, pero me gustaría centrarme en cómo Keith Terry ha encauzado dicha expresión musical hacia el ámbito educativo.

Según este percusionista, dentro de las aulas se podrían crear pequeñas piezas musicales con los mas pequeños dando mucha importancia a la coordinación entre golpes de manos, pechos, piernas y pies. Otro elemento importante que tiene en cuenta es el uso de series rítmicas con la presencia de números impares (relacionado con el tempo) y de las polirritmias al ir combinando modelos rítmicos sencillos. Junto a todo ello, las canciones, los juegos, etc. serán elementos cruciales en el aprendizaje y a la hora de desenvolverse el alumnado.
A continuación, os dejo el siguiente enlace donde podéis encontrar más información sobre el gran trabajo que lleva a cabo Keith Terry con respecto al Body Music. Crosspulse

Como hemos comentado, Doug Goodkin ha sido uno de los pioneros en esta nueva técnica de creación musical y por ello os dejo el siguiente vídeo en el que podemos ver a Doug enseñando algunas series rítmicas y con el cual podéis practicar e intentar seguir su ritmo. Con este vídeo además de música, aprenderéis también un poco de inglés (aunque se entiende con facilidad).

En el siguiente vídeo, podéis ver una demostración de una de las creaciones musicales que Terry llevó a cabo en el Feet Beat Tap Festival en Finlandia (2004). ¡Vaya ritmo y control coporal!

Para terminar, me gustaría mostraros el siguiente vídeo en el que aparecen diferentes actuaciones categorizadas dentro del Body Music, en el que podemos observar que son interpretadas por personas de todas las edades y en los que la voz (nuestro instrumento rey) también adopta un importante papel.

¡Sean Bienvenidos!

Finalizando febrero...¡abrimos blog nuevo! y por ello, en esta primera entrada, me gustaría dar la bienvenida a aquell@s internautas a l@s que les gusta "Dar La Nota".

¿Qué contenidos encontraréis en este blog? El hilo conductor de dicho blog será la Música, el cual permitirá abordar esta expresión artística desde diversos enfoques y en diferentes formatos. Por ejemplo; noticias, publicaciones de eventos musicales, avances en las investigaciones sobre aspectos relacionados con la música, artículos sobre el papel de la música en la educación, etc. Espero que os sea de gran ayuda y que disfrutéis (al igual que yo) de este nuevo proyecto.

Os preguntaréis por qué he iniciado mi primera entrada con esta imagen... y he de deciros que en ella queda reflejado el significado y el sentido de mi blog llamado "Dando La Nota".

En este mundo tan globalizado y frenético en el que vivimos, esta aldea global en la que prevalecen ciertos intereses (económicos, sociales, políticos, etc.) que desencadenan conflictos y desigualdades; existe un arma tan potente que es capaz de unir a los pueblos, de crear una identidad, una cultura para los mismos, de ser símbolo para aquell@s que creen en ella, y sobre todo, un medio de expresión y libertad. Este arma tan valiosa de la que hablo es la Música y es por la que, en este blog, "Damos La Nota".

¡Comenzamos!